AGRUPACIÓN SEÑOR SERRANO

01/03/2018 - 03/03/2018

Sala Verde

De jueves a sábado 20.00 h

 

AVISO IMPORTANTE: una vez comenzada la función no se permitirá la entrada de público a la sala.

El precio de las entradas es el mismo tanto en taquilla como en la web de Teatros del Canal.

 

Precios hasta 15 días antes del estreno.

 

Butaca de platea y 1ª Balconada centro
Tarifa general 17€
Mayores de 65 y desempleados* 15€
Carné joven y menores de 30 años* 10€
Profesionales de las artes escénicas** 10€

 

1ª y 2ª Balconada palcos (visibilidad lateral)/ 2ª Balconada centro (visibilidad limitada) 
Tarifa general 14€
Carné joven y menores de 30 años* 9€
Profesionales de las artes escénicas** 9€

 

*Cupos limitados. Imprescindible presentar la acreditación correspondiente en taquillas y al acceder a la sala. Solo una entrada por carné.

 

**Venta solo en taquilla. Cupos limitados. Imprescindible presentar la acreditación correspondiente en taquillas y al acceder a la sala. Solo una entrada por carné.

 

TARIFA ABONO:

Abono 10 espectáculos 150€
Abono 20 espectáculos 200€

 

  • IVA y gastos de distribución/ticketing incluidos en el precio.
  • Las compras con tarjetas del Grupo Ibercaja están exentas de gastos de distribución/ticketing.

Internet

Taquillas (De 14.30 a 21h – Cea Bermúdez, 1).

Cajeros Ibercaja

 

AGRUPACIÓN SEÑOR SERRANO
01/03/2018 - 03/03/2018
Birdie

Venta solo de abonos a partir del 17 de julio (preferencia en compra de entradas).
Venta de localidades individuales y ABONOS a partir del 24 de julio.

  • Venta anticipada hasta 15 días antes del estreno.
  • Abonos de 10 y 20 espectáculos

IVA y gastos de distribución/ticketing incluidos en el precio.
Las compras con tarjetas del Grupo Ibercaja están exentas de gastos de distribución/ticketing.

El precio de las entradas es el mismo tanto en taquilla como en la web de Teatros del Canal.

 

Información útil

  • Las entradas para personas en silla de ruedas solo se podrán adquirir en taquilla, puede reservar y consultar precios de las localidades llamando al 913089999 y solicitando hablar con taquilla.
  • Para la comodidad de todos los asistentes recordamos que, independientemente de la edad, será imprescindible adquirir una entrada para el acceso a las salas y la ocupación de las mismas.
  • Acceso a sala para compras por internet: Pueden traer las localidades impresas o si lo prefieren, también pueden descargar el archivo en su dispositivo móvil para mostrarlo al acceder al teatro.
información

Espectáculo con objetos, vídeo en directo, maquetas, dos mil animales en miniatura, guerras, traficantes de personas, una migración masiva, imágenes revisitadas de Los pájaros de Hitchcock, y tres performers manejando este mundo embrollado con humor, sentido crítico y compromiso con el ser humano.

La Agrupación Señor Serrano, León de Plata a la innovación teatral de la Bienal de Venecia, nos hace ver dos espejismos. Por un lado: guerras, sequías, deforestaciones, escasez de alimentos. Por otro: supermercados abastecidos, excelentes servicios sanitarios, seguridad en la calle, buenos sueldos… Y entre los dos espejismos, miles de pájaros en migración constante, en continuo movimiento…

Entonces, si es imposible parar un electrón, la pregunta inevitable es: ¿qué sentido tiene levantar vallas contra bandadas de pájaros?

UNA CONVERSACIÓN CON ÁLEX SERRANO

-¿Nos puedes contar cómo es vuestro proceso de trabajo desde el momento en que decidís emprender un proyecto nuevo hasta que lo estrenáis? Tanto en general como en Birdie en particular.

Tenemos un proceso de trabajo un tanto especial, sobre todo porque es un proceso largo. Tardamos aproximadamente dos años desde que surge la primera idea, o la primera imagen, hasta que estrenamos el espectáculo. En el caso de Birdie, la foto de José Palazón fue el detonante. Los chicos subidos a la valla de Melilla al lado del campo de golf recordaban a unos pájaros y así empezamos a tirar del hilo. El primer año de trabajo fue solo de conceptualización, es decir, de pensar y documentarse. Es un trabajo lento que normalmente hacemos tres personas: Pau Palacios, Ferran Dordal y yo. Cuando ya sabemos lo que queremos hacer, trazamos una dramaturgia y nos vamos una semana de residencia, normalmente a una residencia internacional, y durante esa semana ensayamos. Al final de la primera residencia presentamos veinte minutos del espectáculo a profesionales que el teatro ha invitado. Con todo esto nos volvemos a casa, rehacemos la dramaturgia, desechamos lo que no ha funcionado, recogemos nuevas ideas y nos volvemos a ir a otra residencia. Hacemos esto tres o cuatro veces hasta la última residencia, que es la más técnica. Esto nos permite testar el espectáculo, valorar impresiones y disponer de un periodo de reflexión largo, de modo que las ideas se vayan sedimentando.

 

-Al contrario que la mayor parte de artistas que se aíslan para crear, en Señor Serrano abrís y colectivizáis vuestro proceso de creación… Con Birdie habéis hecho dos talleres y dos residencias y trabajado con veinte creadores de diferentes países. ¿Qué se gana y qué se pierde con este proceso?

En el caso de los workshops, que hemos probado un par de veces con la intención de abrir el proceso, nos hemos dado cuenta de que son estériles creativamente. El trabajo de formación fue muy satisfactorio, pero todo el trabajo creativo desarrollado en dos worskhops y en dos residencias en Birdie se fue entero a la basura, salvo una escena, pero esta la habíamos ideado nosotros. Sin embargo, este marco tan frustrante, donde luchábamos tanto, nos fue muy bien, porque el espectáculo en sí tenía algo de esto. Cuando escogimos esta imagen, no había explotado toda la crisis migratoria en el Mediterráneo.

 

-Y entonces comenzasteis de nuevo…

Nos gusta mucho una frase de un cronista de The New York Times de principios del siglo XX que decía que cualquier situación complicada siempre tendrá una respuesta simple, pero seguramente equivocada. No hay respuestas simples para situaciones complicadas. Las situaciones complicadas requieren respuestas complejas, por lo tanto, no sirve de nada encontrar un atajo para hablar del problema de la migración. Después de 2001, con la caída de las Torres Gemelas, el paradigma de nuestra realidad cambia, cambia incluso la forma de comunicarnos y cambia la forma de relacionarnos con la realidad. La realidad no va a poder mostrarse por sí misma, sino que precisa de un relato para poder ser explicada, necesita de una metáfora, y es en esto en lo que se fundamenta nuestro trabajo y nuestra dramaturgia.

 

-¿Por qué os decidisteis por el lenguaje audiovisual? ¿Cómo llegasteis al «cine en tiempo real»?

Nosotros tenemos dos etapas en la compañía. En la primera, empleábamos performers, bailarines, vídeo, pero no como lenguaje principal. Al final, sufrimos una crisis creativa: llevábamos tres obras repitiendo un esquema y nos aburrimos. Esto coincidió con la crisis económica: dejamos de actuar en España. Es 2009-2010, con la excusa de la crisis el Gobierno se carga todo lo que huele a contemporáneo e incómodo en las artes escénicas: desaparecen festivales y saltan programadores. En este momento, durante una residencia en Aviñón, al no dominar bien el francés, nos damos cuenta de que hay un lenguaje muy potente, un denominador común muy potente, que siempre ha estado en nuestras obras: el vídeo en tiempo real. Y nos damos cuenta de que, por un lado, potenciar este lenguaje puede ayudarnos a salir de la crisis tanto creativa como económica, puesto que facilitaría internacionalizar nuestro trabajo.

 

-Trabajáis con imágenes, con objetos… pero también con la palabra. ¿Cómo juntáis todo? ¿Qué importancia le dais al texto?

Muy buena pregunta. Digamos que tanto el vídeo como el audio, las cámaras, el ordenador o los performers son herramientas que usamos en pos de un dispositivo. Es decir, el concepto, la dramaturgia y todo lo demás son elementos que permiten que este mecanismo se encadene y funcione. No usaremos un performer para recrear un personaje, pero sí lo usaremos como

figura, de la misma manera que usaremos la voz en off como figura que transmitirá una información, pero sin representar nada.

 

-Creemos que la connotación es un mecanismo que recorre toda la obra, unas cosas se van conectando con otras y así se va componiendo una suerte de relato, ¿puedes hablarnos sobre esto?

Además del Skype, yo ahora mismo tengo el Chrome y el whatsapp abiertos en el ordenador y en el móvil. Son elementos diferentes que están funcionando a la vez. De modo que no es solo una idea de connotación, es una idea de multidispositivo. Hemos dejado atrás esa dramaturgia donde un personaje A le dice una cosa a un personaje B. Se parece más al escritorio de nuestro ordenador, o al escritorio expandido de la mesa de trabajo. Esta idea de connotación o de simultaneidad múltiple está tan presente en nuestra vida que también debe estar presente en nuestras creaciones. No me imagino crear de una manera diferente.

 

-En una entrevista describíais vuestro trabajo como documental analítico y poético, podrías hablarnos un poco de esta combinación… ¿Qué es lo analítico y qué lo poético?

Nosotros siempre decimos que no hacemos un teatro documental, sino un teatro muy documentado, y por eso necesitamos disponer de tanto tiempo. Hay una labor intensa de documentación y de análisis, pero partimos de que tenemos unos referentes comunes con nuestro público, ya sea en China, en Teherán o en Madrid. Si hablamos de inmigración ya no hace

falta que mostremos a personas ahogándose en Lesbos, pero sí podemos mostrar unos pájaros. Y los espectadores, cuando vean estos pájaros, o una cadena de animalitos que recorren un campo de golf, entenderán exactamente de qué estamos hablando. Compartimos los mismos elementos, pero usamos lo poético para comunicarlos.

 

-¿Puede el arte intervenir la realidad y cambiarla?

Muy poco, poquísimo. Lo habitual es que al teatro asista un porcentaje bajísimo de gente que esté disconforme con nuestros planteamientos. Esto solo sucede cuando actuamos para escuelas… Los adolescentes te preguntan cosas que no saben porque realmente les interesa, y te ponen en jaque.


Ángela Segovia y Carlos Rod

 

Ficha artística

Creación: Àlex Serrano, Pau Palacios y Ferran Dordal

Performance: Àlex Serrano, Pau Palacios y David Muñiz

Voz: Simone Milsdochter

Una producción de Grec 2016 Festival de Barcelona, Agrupación Señor Serrano, Fabrique de Théâtre — Service des Arts de la Scène de la Province de Hainaut, Festival TNT — Terrassa Noves Tendències, Monty Kultuurfaktorij y Festival Konfrontacje Teatralne

Con el apoyo de Oficina de Cultura de la Embajada de España en Bruselas, Departament

de Cultura de la Generalitat de Catalunya, Centre International de Formation en Arts du Spectacle

de Bruxelles, Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM), Institut Ramon Llull

Distribución: info@artrepublic.es 

Estreno en la Comunidad de Madrid

Vídeos